Mes recherches actuelles découlent de l’observation de petits faits ano­dins, comme la décou­verte d’un gant perdu sur un trot­toir. Puisqu’une idée conduit à une autre, l’ensemble de mon tra­vail se déve­loppe en pas­sant d’un objet à l’autre, se pré­oc­cu­pant par­fois de la fonc­tion par­fois d’un contexte plus large, avec tou­jours en tête le prin­cipe qu’une forme en contient une autre.

Techniquement mon tra­vail s’intéresse au pro­ces­sus de fabri­ca­tion par l’utilisation du pro­cédé du cou­lage pour abou­tir à un objet qui garde la trace de sa confection.

Je tra­vaille sou­vent par série et les deux plus récentes sont les « bonnets-bols » et « boire dans les mains d’un inconnu ». Dans les deux cas, la por­ce­laine est cou­lée direc­te­ment dans le moule en tex­tile, soit un bon­net, soit un gant. Le bon­net est pré­servé lors du démou­lage et exposé avec le bol qui en découle. Le gant lui doit être découpé et détruit pour livrer un objet fai­sant réfé­rence à une coupe.

Avec « boire dans les mains d’un inconnu », j’utilise des gants trou­vés, ou alors ache­tés en deuxième main. L’idée est de par­tir d’un objet qui a été porté par une per­sonne ano­nyme, le mani­pu­ler et le faire glis­ser dans un contexte intime. Ceci en inter­ro­geant le rap­port per­son­nel que l’on entre­tient avec les objets de notre quotidien.

La créa­tion de mes oeuvres est basée sur le thème de la nature. Nature que j’essaie d’interpréter sous la forme de la pierre, du bois, de l’eau, de l’herbe et du vent … Je désire faire de mes œuvres non seule­ment des pièces d’arts déco­ra­tifs mais aussi et sur­tout des pièces appré­ciées au quo­ti­dien dans leur uti­lité. Un vase, un bol, … C’est dans ce sens que je vou­drais conti­nuer à faire évoluer mon tra­vail.
Le plai­sir du regard, le plai­sir du tou­cher, le plai­sir de l’usage …

Son design est une prise de conscience constante des pro­blèmes liés au réchauf­fe­ment climatique.

Pour cela il tra­vaille depuis des années sur un concept : réa­li­ser dans un maté­riau écolo­gique (le bois et ses déri­vés) des pro­duits indus­triels issus d’une seule planche en mini­mi­sant au maxi­mum les chutes. Dans ses recherches, il pousse son concept encore plus loin car il sou­haite que ses pro­duits s’assemblent de manière ludique et sans outils, puisque ces der­niers sont tou­jours conçus sans la moindre quin­caille­rie, à impact zéro (le mon­tage ne néces­site ni outils élec­triques, ni colles). Chez son fabri­cant, la découpe des pro­duits est élec­trique, mais l’électricité est géné­rée par des pan­neaux pho­to­vol­taïques com­bi­nés avec une éolienne.

Adeline Beaudry est une desi­gner tex­tile spé­cia­li­sée dans le tex­tile d’ameublement.

Elle exploite les dif­fé­rentes carac­té­ris­tiques des maté­riaux et des tech­niques tex­tiles pour créer des objets uti­li­sables au quo­ti­dien. En intro­dui­sant un maxi­mum d’éléments (la struc­ture, la forme, les fini­tions…) dès la fabri­ca­tion de la matière, elle limite les étapes de fabri­ca­tion d’un objet.
Ses pre­mières recherches visant à don­ner du volume à la matière tex­tile lui ont per­mis de créer les pro­jets Wrap-box et Storigami. Tous deux construits à par­tir d’un prin­cipe de charnière.

Actuellement, elle déve­loppe une col­lec­tion d’accessoires tex­tiles pour l’ameublement (plaids, cous­sins, nappes,…).

Mon tra­vail consiste à sculp­ter dans des blocs de cire de petites struc­tures qui s’apparentent à des formes orga­niques, miné­rales et végé­tales. Celles-ci sont sem­blables à des bouts de pâte de verre taillé, des petits silex ou des plantes hybrides qui sont ensuite cou­lées en argent. Ces minus­cules débris réas­sem­blés  forment un cocon d’ou émerge des blocs colorés .

L’entrechoquement des matières (or/argent, verre/métal ) et le contraste des cou­leurs donnent vie à l’ensemble . Cette pâte de verre arti­sa­nale se pré­sente en plaques ou en blocs ; je joue sur son aspect brut, brillant, mat, poli ou  je l’assemble comme des mosaïques . Le verre devient lui même une pro­lon­ga­tion de la matière ou une excrois­sance colorée.

Je me sens tou­chée par le dés­équi­libre des objets, le contraste des matières, la mobi­lité des masses.

Cette façon d‘appréhender l’objet et la matière me per­met de faire un pont entre mon tra­vail de bijou­tier, de mosaïste et de plas­ti­cienne. Je pri­vi­lé­gie les pièces uniques, mais si je conçois des séries, je me concentre dès lors uni­que­ment sur le tra­vail de la cou­leur. Le concept de fabri­ca­tion est impor­tant pour moi, car j’ai besoin d’avoir un contact avec la matière,  de des­si­ner, sculp­ter et cou­ler moi-même  toutes mes pièces.

BIJOUX CONTEMPORAINS ArtGanik

Mes idées dans la création d’un bijou prennent naissance dans la matrice de l’imagination sous forme de flots de formes, de couleurs et de textures qui, pour moi, possèdent toutes leurs caractéristiques propres et sous-tendent déjà à un équilibre.
Cette « matrice » abstraite me guide énormément.
Ensuite, bien sûr, j’évalue les conditions de création de la pièce, futur bijou, puis j’adapte mon idée aux exigences des matériaux et aux techniques fines de bijouterie.

Mes bijoux sont avant tout constitués de ma propre inventivité, mais aussi de patience et de dextérité. Je mêle imagination et techniques de bijouterie, d’orfèvrerie, d’émaillage et de dorure, afin d’aboutir à ce que j’appelle de petites « sculptures portatives ».

J’aime offrir différentes possibilités de porter un même bijou. Qu’en un bijou s’en trouvent deux, voire trois, guide beaucoup mon processus de création. Donner à une pièce unique de multiples facettes permet en effet de créer un langage privé, un rapport intime et exclusif entre le bijou et son porteur.

Le bijou ainsi porté partage de réels moments de vie et d’harmonie avec celui qui l’a choisi. 

"Quel est ton sens ? ", demande l'art au design.
"Quelle est ta fonction?", demande le design à l'art.

(Yoann Van Parys)

C’est sur base de ces deux simples questions que Frédérique Coomans développe son travail: tenter de conjuguer l’art et le design, le sens et la fonction. De manière presque intuitive, puiser dans l’air du temps et exprimer une émotion au travers d’un objet, le bijou, qui puisse être porté comme une sculpture de corps et affirmer sa personnalité au travers de celui-ci.

Créer l’étonnement en conjuguant des matières, des couleurs, des techniques qu’on n’imagine pas capable de se marier. Amener le « spectateur » à découvrir une autre dimension. Que l’esthétique de l’objet « bijou » sublime sa réelle valeur financière.

Pour réussir à réaliser ces « sculpture de corps », j’aime scruter les éléments qui m’accompagnent au quotidien. Je cherche sans cesse, je teste, je manipule, je m’abreuve de toutes les techniques qui me permettront d’amener le bijou à son terme, aussi anodines et aussi éloignées de la bijouterie soient-elles. C’est une des parties essentielles de la naissance d’un bijou. J’essaie de n’écarter aucun domaine de recherche.

Unsouhait serait de pouvoir croiser mes idées avec celles d’un sculpteur, d’un designer textile, d’un photographe, d’un scientifique, d’un philosophe et bien d’autres encore pour pouvoir donner naissance à une idée commune qui reflèterait, en partie du moins, la société dans laquelle nous vivons actuellement.

Bijoux”Cokin” ou filtre à parure. Quand Cécile Dalcq prend cette optique, les cercles coquins s’unissent, les cou­leurs s’échangent. Ces disques colo­rés enserrent le corps en l’éclairant de mul­tiples façons tant ses bijoux s’imbriquent, s’emboîtent, changent en fonc­tion du moment.

Chaque bijou est plu­sieurs bijoux, cette orthé­tique ins­tal­la­tion est modu­lable, trans­for­mable à souhait.

Les formes et les matières s’apparentent à l’âme fémi­nine, robus­tesse et fra­gi­lité, trans­pa­rence enfer­mée dans l’écrin de fil d’acier qui habille l’élégance de celle qui le porte .

Christian Vankeer

N.B. : Les filtres « Cokin » sont uti­li­sés en pho­to­gra­phie et le terme fait par­tie du jar­gon de cette discipline.

Pincer, étirer, gon­fler, défor­mer…
Selon la façon dont je l’ai pétrie, selon la posi­tion qu’elle occupe ensuite dans ma main ou sur mes genoux, l’argile se laisse aller, tan­tôt  docile, tan­tôt rétive à la pres­sion que, len­te­ment, patiem­ment et de l’intérieur, je lui impose jusqu’au plus fin d’elle-même, jusqu’avant la déchi­rure. Juste avant.
Ainsi, sous mes doigts, elle glisse, lisse, quasi moel­leuse, tan­dis qu’à l’extérieur, elle se fen­dille, se cre­vasse, se lézarde, offrant à la séche­resse, qui peu à peu la gagne, une manière de rudesse, un sem­blant d’armure.
Mais la cuis­son dénonce aus­si­tôt l’imposture, tis­sant entre le dedans et le dehors un réseau doré de lumière et, par endroits, une mince cica­trice. Alors, ce qui se disait âpre et robuste devient sou­dain fra­gile et léger, à peine plus lourd que la mem­brane qui semble s’en échapper.

Mon tra­vail s’ancre dans un plai­sir de l’observation et du geste. Dans des jeux simples tels ceux de tor­sions et pres­sions exer­cées sur la terre crue et mal­léable, ou ceux qui par dépla­ce­ments des objets dévoilent les espaces conte­nus entre les masses.

Je décline et trans­forme la per­cep­tion des volumes et des direc­tions qu’ils des­sinent dans l’espace.

Aller au-delà de que ce que le regard me donne à voir….

L’arbre est depuis les temps les plus anciens, symbole de force, de pouvoir, de sagesse, de fertilité et de vie. Par l’observation de cet environnement naturel, ma démarche consiste à réaliser un parallélisme entre l’arbre, l’Etre et leur vie intérieure.

Par le jeu de moulage de branches, par l’utilisation de brindilles ou par l’observation de l’arbre soumis à l’influence du temps, je réinvente un monde qui oscille entre rigidité et mouvement, entre géométrie et sinuosité. Cette dualité se retrouve aussi dans le jeu d’apparence extérieure et de vie intérieure que j’exprime grâce au verre, matière elle-même duale: «Fragile et solide,[…], lisse et tranchant, le verre est ouverture et obstacle, il informe et protège. Sourd et sonore, intérieur et extérieur en même temps, il capte et diffuse, il est abîme et écran. »( Extrait  «verre grandeur nature»)

La conception artistique de mes œuvres va de pair avec les propriétés spécifiques que le verre peut lui conférer. Dans cette démarche, la symbiose de différentes techniques m’offre ainsi divers moyens d’expression. C’est ce dialogue possible avec la matière qui me fascine afin que je puisse allerau-delà de ce que le regard me donne à voir…

"Nathalie Doyen façonne la terre au même titre que la nature son paysage.
Elle ne craint ni la répétition du geste, ni celle de la forme,
ceux-ci respectent le rythme de son processus créatif.
Intuitive, Nathalie Doyen saisit l’instant, une vision, une sensation,
Observatrice, elle s’imprègne de ce nouvel univers,
Habitée, elle transcende l’impalpable.
Modeste, elle délivre ensuite par bribes le fruit de son "cheminement"…".

Laurence Van Nieuwenhoven

Partie de la forme inté­rieure du livre, j’ai appris lors de mes études à dis­po­ser dans un espace limité des signes, des blancs et des noirs et à agen­cer des rythmes, d’une page à l’autre.
Au cours des années, des inter­ro­ga­tions se sont gref­fées sur ‘cet objet’, sur sa forme exté­rieure : « Comment don­ner envie d’ouvrir un livre ; com­ment don­ner envie d’entrer dans un uni­vers ; com­ment for­mer un tout pour res­ter cohé­rent ; com­ment avan­cer ; com­ment détour­ner des contraintes tech­niques.« 
  De là, la matière et les ques­tions ont évolué : « L’écriture existe t’elle sans le contexte du livre. La reliure existe t’elle autre­ment.« 
  Avec les années, j’en suis venue à dépas­ser les limites du livre de biblio­thèque ou celles du livre-objet.
Mes recherches ont scindé mes envies : une par l’édition de col­lec­tions de livre à petit tirage et l’autre par une recherche pure­ment artis­tique avec des ques­tion­ne­ments, des ren­contres où le papier, la lettre et la liure sont présents.

Pièces uniques ou petites séries, je crée des bijoux principalement en or et argent qui se veulent être des pièces sobres, épurées et fortes. Un travail où les formes dialoguent avec la matière à la recherche d’un équilibre. J’adore jouer avec la souplesse du métal. Montrer qu’il est ni froid ni rigide. Il peut être léger, fragile. Il se laisse apprivoiser par qui sait dialoguer avec lui. Il nous offre la possibilité de s’exprimer à travers lui. L’inspiration vient d’une ouverture d’esprit constante à mon environnement. Mes créations sont emplies d’une histoire qui se raccroche au passé et en même temps, elles sont le reflet d’une modernité. Un dépouillement voulu ou le moins dit le plus. Les plus belles choses naissent quand on suit son fort-intérieur.

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Mon tra­vail sur la por­ce­laine a com­mencé par la réa­li­sa­tion de bols très fins mais je vou­lais repous­ser les limites de la matière et don­ner libre cours à mon imagination.

Après de mul­tiples recherches et expé­ri­men­ta­tions à la limite des pro­prié­tés du maté­riau, je me suis désor­mais tour­née vers des formes aux excrois­sances aériennes ou cou­vertes de lan­guettes fine­ment entrelacées.

Ce résul­tat est obtenu par l’adjonction de pâte à papier et de fibres tex­tiles dans la por­ce­laine ce qui lui donne du corps tout en conser­vant une grande sou­plesse de tra­vail. De fines feuilles de papier por­ce­laine sont d’abord étalées sur un plâtre pour être ensuite mises en forme, décou­pées en longs rubans, déchi­rées ou assem­blées au gré de mon inspiration.

La cuis­son en oxy­da­tion à 1250° garde la blan­cheur de la por­ce­laine et lui confère une trans­lu­ci­dité remar­quable qui lui donne un aspect presque vivant.

La por­ce­laine asso­ciée au papier ou à des fibres ouvre un champ d’expérimentation aux pos­si­bi­li­tés quasi infi­nies qui conti­nuent de gui­der mon ins­pi­ra­tion vers des formes irréelles et aériennes.

Laure Kasiers est une desi­gner tex­tile free­lance basée à Bruxelles.
Suite à ses études en design tex­tile à la Cambre, elle conti­nue à déve­lop­per une démarche dans le domaine de l’ameublement qui l’avait conduite à la concep­tion d’objets finis, notam­ment de tapis.
L’attention qu’elle porte aux choix des maté­riaux lui per­met d’en dépla­cer l’usage, en valo­ri­sant par exemple des matières tech­niques ou des chutes de pro­duc­tion.
Par des recherches de struc­tures, elle aborde les notions de mobi­lité —grâce à des arti­cu­la­tions— et de contraste —par le choix des cou­leurs et des matières. Sa pro­duc­tion est carac­té­ri­sée par une cer­taine épais­seur et une forte den­sité qui induisent une rela­tion tac­tile et sen­sible, ame­nant confort et chaleur.

J’aime ce qui bouge, se transforme, suggère, interroge….. Un artefact qu’il soit œuvre d’art ou objet utilitaire possède un pouvoir inductif. Par sa forme, sa couleur, sa texture, il attire et retient le regard, suscite le toucher, surprend… Il personnalise, confère, au-delà de l’emploi, un sens à ce qu’il y a de plus commun, de plus usuel. Il transcende le quotidien et l’immédiat, petit clin d’œil, moment d’émotion .D’apparence fragile, le papier se métamorphose à l’infini jusqu’à devenir l’écorce d’un corps vivant. Il parle de nous, il parle de vous.
Jeux de patience, floralies de couleurs qui s’élaborent lentement, heure après heure, jour après jour, entraînant dans leur sillage formes et idées, broches faîtes de confettis, colliers en fils de papier. Nouer, plier, froisser,  langage ,partage.

J’ai recours aux techniques du filage, du tressage et du collage. Les papiers sont traités, résistants à la lumière et à l’humidité.